撰：陳昱璋

　　如今，聲音與動畫往往是密不可分的，絢爛或獨樹一幟的視覺效果雖然能吸引人觀看，但音樂卻能讓其中的角色及劇情真正活起來。而在本次專題講座中，講者 Nik Phelps 將以動畫作曲家的身分，從1929年回頭來看現在的動畫與其音樂，用十餘部動畫短片為基底，一窺他對近百年動畫配樂發展史的獨到見解。

音畫結合的原點：滑稽交響曲概念與《Silly Symphony》的誕生

　　1929 年華特．迪士尼發表的《汽船威利號》，為第一部有聲音與畫面合體的動畫。在《汽船威利號》製作期間他拜訪了老朋友並請他擔任風琴手，而於會面時，這位迪士尼的老友提出了滑稽交響曲的概念。

　　以往的動畫，音樂主要是輔助畫面上已存在的動作，而滑稽交響曲之概念則是讓音樂成為主導敘事與結構的核心骨架。動畫師根據譜寫好的樂譜來編排動作，實現了聽覺與視覺前所未有的精準同步。而其後來更促成《Silly Symphony》系列的誕生。講者 Nik 認為，西元1929年可說是是動畫配樂的元年。

上圖的動畫為《Silly Symphony》系列的第一部作品 - The Skeleton Dance（1929），其角色配合聲音舞動，音畫一致的特性帶來了強節奏的體感。

娛樂化或藝術性：歐美動畫配樂的探索與體現

　　講者提到，當年的美國動畫常以娛樂性與敘事為核心，音樂與節奏用來強化笑點與故事節拍。以《Minnie the Moocher - Betty Boop》（1932）為例，負責本片製作的弗萊舍工作室便主張卡通應該服務觀眾避免太過藝術化。

　　而在歐洲，對動畫的詮釋迥然不同，他們更早以藝術化的方式將音樂與視覺作為並列的藝術語言。而在在科特蘭．赫克托．霍平（Courtland Hector Hoppin）與安東尼．伊姆雷．亞歷山大．格羅斯（Anthony Imre Alexander Gross）創作的《La Joie de Vivre》（1934）中，以女性舞者的優雅身影為主軸，將節奏、韻律與動態流線轉化揉合為一。作者受到法國印象派與俄羅斯的影響，這部作品雖有具體畫面，卻不依賴敘事，而以音樂的起伏引導影像。

　 1950年代後：技術帶來的全新詮釋

　　隨著美國的技術革新，寬螢幕與立體聲改變了觀影體驗。而迪士尼的《Toot, Whistle, Plunk and Boom》（1951）中正體現了這種轉變。作為第一部用寬螢幕和立體聲的動畫，本作將音樂教育與視覺結合，以寓教於樂的形式讓觀眾了解西洋樂器的發展歷程。受當時太空主義美學影響，本片運用了簡化幾何與強烈節奏感的構圖對應不同樂器的音色特質，形成音畫合一的視覺。聲音同時推動畫面與敘事，讓觀眾彷彿「看見」了音樂。

《Toot, Whistle, Plunk and Boom》（1951）

　　接著講者繼續介紹了數部動畫，《After You’ve Gone》（1946）延續四重奏音樂可視化的手法；《Synchrony》（1971，加拿大）以抽象黑線呈現音符與和弦；《Furies》（1977）以及Nik Phelps親自創作配樂的《Fetch》（2000），探索音色、節奏與形狀的互動……，持續引領觀眾認識音樂與動畫相互交融的發展史。

　　在最後的講座 Q&A 中，Nik Phelps 提及音樂創作者與故事結合的三種方式——音樂優先、故事優先或同步進行。他強調商業製作中常因時間與預算限制，導致音樂經常在最後一刻才匆忙完成，因此早期階段的合作對於達成音畫結合至關重要。建議導演與作曲家透過持續試驗與調整，讓音樂不只伴奏，而是與故事和角色共同呼吸的敘事元素。此外，講者也推薦《The Animation Trail 20 Years of Animation Festival》作為參考，幫助創作者理解音樂與動畫互動的不同策略與實務操作。